Programa Numero 2 de LVO

Astor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino.
Según muchos especialistas, fue uno de los músicos de tango más importantes de la segunda mitad del siglo XX.[1] [2] Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango (en lo que respecta a ritmo, timbres y armonía) fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja» (ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación). En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires».[3] [4] Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.
Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.
Astor Piazzolla, revista Antena, Buenos Aires, 1954.
Entre los músicos contemporáneos a quienes admiraba profundamente se encuentran Alfredo Gobbi y, fundamentalmente, Osvaldo Pugliese. Este último con sus composiciones Negracha, Malandraca y La yumba se adelantó a lo que Piazzolla luego realizó como músico. Básicamente en la música de Piazzolla la marcación rítmica está basada en el tango Negracha (de Pugliese) compuesto en 1943 y grabado en 1948.

http://es.wikipedia.org/wiki/Astor_Piazzolla



John Ray "Johnny" Cash (n. Kingsland, Arkansas; 26 de febrero de 1932 – f. Nashville, Tennessee; 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.
Cash fue conocido por su profunda voz, por el característico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).



Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»). Curiosamente, algunos de sus temas más conocidos son covers de otros artistas, pero versionadas con un estilo propio que lleva su sello por todas partes, como Hurt (de Nine Inch Nails), o el tema, grabado junto con Joe Strummer, Redemption Song, que Bob Marley había compuesto poco antes de su muerte.
Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

Adicción a las anfetaminas
Ya a finales de los 50 Cash tomaba anfetaminas, pero fue durante los primeros años de la década de los 60 cuando Cash comenzó a beber compulsivamente y a tomar muchas anfetaminas, a las que acabó siendo adicto. Durante una temporada, Cash alquiló un apartamento con Waylon Jennings, quien también estaba enganchado a los estimulantes. Cash ocultaba las pastillas a menudo y cuando olvidaba dónde las había puesto acusaba a Jennings de robárselas. Cash las consumía para mantenerse despierto y activo durante sus giras. Sus amigos bromeaban a menudo sobre su comportamiento «nervioso», ignorando muchos de ellos la fuerte adicción que sufría por entonces.
[editar] Grave enfermedad
En 1997, a Cash le fue diagnosticada una enfermedad neurodegenerativa conocida como Síndrome de Shy-Drager. Diagnóstico que fue reemplazado más adelante por el de neuropatía autonómica asociada a diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 con neumonía severa con daños en los pulmones. Debido a su enfermedad, las canciones de sus álbumes American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002) se tornaron ligeramente más sombrías que las de sus dos anteriores álbumes para American. El vídeo de «Hurt» de American IV, una versión de Nine Inch Nails fue aclamado tanto por crítica como por el público. Incluso el mismo compositor de la canción, Trent Reznor, afirmó que no ha vuelto a escuchar su propia versión desde que escuchó la de Cash.



Letra original:
I hurt myself today
to see if I still feel
I focus on the pain
the only thing that's real
the needle tears a hole
the old familiar sting
try to kill it all away
but I remember everything
what have I become?
my sweetest friend
everyone I know
goes away in the end
and you could have it all
my empire of dirt
I will let you down
I will make you hurt
I wear this crown of thorns
upon my liar's chair
full of broken thoughts
I cannot repair
beneath the stains of time
the feelings disappear
you are someone else
I am still right here
what have I become?
my sweetest friend
everyone I know
goes away in the end
and you could have it all
my empire of dirt
I will let you down
I will make you hurt
if I could start again
a million miles away
I would keep myself
I would find a way

Traducción:
Me hice daño a mi mismo hoy,
para averiguar si todavía sentía algo.
Me centré en el dolor,
la única cosa que es real.
La aguja hizo un agujero,
el viejo y conocido pinchazo.
Intenté matarlo,
pero siempre lo recuerdo todo.
¿En qué me he convertido?
Mi dulce amigo,
todo el mundo al que conozco,
se va al final,
y podrías haberlo tenido todo.
Mi imperio de basura.
Te defraudaré
Te haré daño
Llevo esta corona de espinas
sobre mi trono de mentiroso.
Lleno de pensamientos rotos
que no puedo arreglar.
Bajo las manchas del tiempo,
los sentimientos desaparecen
Eres otra persona más,
y yo todavía sigo aquí.
¿En qué me he convertido?
Mi dulce amigo,
todo el mundo al que conozco,
se va al final,
y podrías haberlo tenido todo.
Mi imperio de basura.
Te defraudaré
Te haré daño
Si pudiera volver a empezar,
a un millón de millas lejos de aquí,
me cuidaría más,
encontraía la manera de hacerlo.



Nine Inch Nails (abreviado NIN) es una banda estadounidense de rock industrial fundada en 1988 por Trent Reznor en Cleveland, Ohio, Estados Unidos. Como su principal productor, cantante, compositor e instrumentista, Reznor es el único miembro oficial de Nine Inch Nails y el único responsable de la dirección de la banda.[1] La música de Nine Inch Nails abarca un gran número de géneros musicales, aunque mantiene un sonido característico utilizando instrumentos electrónicos y procesamiento en el estudio de grabación. Después de grabar cada nuevo álbum de estudio, Reznor forma un grupo de músicos para las giras y conciertos. Suelen ser cambiantes y hacer arreglos en las canciones para ajustarlas a las actuaciones en directo. En el escenario, NIN suele utilizar elementos visuales espectaculares para sus actuaciones, entre las que destaca el espectáculo lumínico o enormes paneles de leds y algunos tactiles que sirven como secuenciadores.[2]
Los seguidores de la música underground acogieron muy bien a Nine Inch Nails en sus primeros años. Fechas en las que produjeron varios álbumes altamente influyentes que tuvieron gran acogida; muchas de las canciones de Nine Inch Nails se convirtieron en éxitos en los años 1990,[3] dos de ellas ganaron Premios Grammy, y en total han vendido más de veinte millones de álbumes en el mundo,[4] de los que diez y medio han sido sólo en Estados Unidos.[5] En 1997, Reznor apareció en la lista de la revista Time de la gente más influyente, y la revista Spin le describió como "el artista más importante de la música".[6] En 2004, la revista Rolling Stone colocó a Nine Inch Nails en el puesto número 94 de su lista de los 100 artistas más grandes de todos los tiempos.[7] A pesar de esto, han tenido varias contiendas con la parte corporativa de la industria musical. En 2007, a causa de estos problemas corporativos, Reznor anunció que Nine Inch Nails abandonaba su sello discográfico y que lanzaría todo su material futuro de forma independiente.[8]
Desde 1989, Nine Inch Nails ha lanzado ocho álbumes de estudio. Sus lanzamientos más recientes, Ghosts I–IV y The Slip, ambos de 2008, fueron lanzados bajo licencia Creative Commons.[9] En primera instancia ambos se lanzaron como descarga digital, siendo su lanzamiento físico más adelante. El lanzamiento digital de The Slip fue completamente gratuito. NIN ha estado nominado doce veces a los Premios Grammy, habiendo ganado en dos ocasiones el premio con "Wish" y "Happiness in Slavery", en 1992 y 1995, respectivamente.
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http://es.wikipedia.org/wiki/Bob_Marley

Orígenes
Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe. Era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina que tenía 18 años cuando nació Bob; y de Norval Marley, un jamaiquino blanco de ascendencia inglesa (su familia provenía de Essex), capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), quien se consideraba inglés, debido a que al ingresar a las Fuerzas Armadas Británicas para la Primera Guerra Mundial, en la aplicacion dijo ser inglés, para que no se le cuestionara mayor cosa (y porque en esa época Jamaica era una colonia del Reino Unido y su población blanca tenía la nacionalidad británica). La fecha de nacimiento de Norval es motivo de controversia ya que según muchas fuentes nació en 1895 (por lo que tendría 50 años cuando nació su hijo Bob Marley) pero según otras fuentes nació mucho antes, en 1881. Aunque Norval ayudaba económicamente a su mujer y a su hijo, rara vez veía a su hijo por pasar el tiempo viajando; además, según algunas fuentes su madre (la abuela de Bob) lo presionaba para que se alejara del niño por prejuicios racistas. El padre de Bob murió cuando éste tenía 10 años, en 1955.
Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato (mestizo producto de la mezcla de blanco y negro), sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud (se dice que el hermano de su primera novia le dijó que "no queremos blancos en esta casa"). Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.
Nine Miles es un pueblo que está a 3 horas de la capital, Kingston, que obtuvo su nombre por su tamaño -el cual abarca nueve millas. Cedella Marley luchaba cada dia por sacar adelante a su hijo, vivian en pobreza y en aquel entonces no había muchos recursos, por lo que en casa no contaban con agua, ni electricidad. Viviendo asi en Nine Miles, Bob conocio a quien llegaria a ser su mas frecuente amigo -Bunny Wailer. Cedella y el padre de Bunny empezaron a tener una relacion, y es esta razon por la cual Bob y Bunny compartian una hermana. Siendo una familia de 5, buscando prosperidad, se mudan a Kingston, la capital de Jamaica. Fue con Bunny, con quien Bob comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Raymond Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta"). El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.

Al finalizar la gira europea Marley partió con su banda para los Estados Unidos. Bob hizo dos shows en el Madison Square Garden, pero luego, repentinamente su cuello quedó rígido y se quedó mudo. Lo llevaron al hotel Essex en donde estaban alojados y pudo recuperarse circunstancialmente. A pesar de los consejos médicos, decidió presentarse al día siguiente en el Teatro Stanley de Pitsburgh. Aquella actuación del 23 de septiembre de 1980 fue su último recital.

Banda / Artista : Bob Marley
Nombre de la Cancion : Redemption song
Redemption song

Old pirates yes they rob I
Sold I to the merchant ships
Minutes after they took I
from the bottom less pit
But my hand was made strong
By the hand of the almighty
We forward in this generation triumphantly
All I ever had is songs of freedom
Won't you help to sing these songs of freedom
Cause all I ever had redemption songs, redemption songs

Emancipate yourselves from mental slavery
None but ourselves can free our minds
Have no fear for atomic energy
Cause none of them can stop the time
How long shall they kill our prophets
While we stand aside and look
Some say it's just a part of it
We've got to fulfill the book

Won't you help to sing, these songs of freedom
Cause all I ever had, redemption songs,
redemption songs, redemption songs

Emancipate yourselves from mental slavery
None but ourselves can free our minds
Have no fear for atomic energy
Cause none of them can stop the time
How long shall they kill our prophets
While we stand aside and look
Yes some say it's just part of it
We've got to fulfill the book

Won't you help to sing, these songs of freedom
Cause all I ever had, redemption songs
All I ever had, redemption songs
These songs of freedom, songs of freedom

autor: Bob Marley
Banda / Artista : Bob Marley
Nombre de la Cancion Traducida: Canción redentora
Canción redentora


Viejos piratas, si, ellos me robaron
y me vendieron a barcos mercantes
minutos después me sacaron
del agujero mas cruel
Pero mis manos se hicieron fuertes
por la mano del todopoderoso
nos levantamos triunfalmente en esta generación
Todo lo que siempre he tenido son canciones de libertad
nos ayudas a cantar estas canciones de libertad?
Porque es todo lo que tengo, canciones redentoras.

Emanciparte de tu esclavitud mental
Nadie excepto nosotros mismos puede liberar nuestras mentes
No tengas miedo de la energía atómica
Porque ninguno de ellos puede detener el tiempo
Cuanto tiempo más mataran nuestros profetas
Mientras nos quedamos mirando a otro lado
Alguien dijo esto es solo una parte
debemos también nosotros escribir en el libro

Por que no ayudas a cantar, estas canciones de libertad
Porque es todo lo que tengo, canciones redentoras,
canciones redentoras, canciones redentoras.

Emanciparte de tu esclavitud mental
Nadie excepto nosotros mismos puede liberar nuestras mentes
No tengas miedo de la energía atómica
Porque ninguno de ellos puede detener el tiempo
Cuanto tiempo más mataran nuestros profetas
Mientras nos quedamos mirando a otro lado
Alguien dijo esto es solo una parte
debemos también nosotros escribir en el libro

Por que no ayudas a cantar, estas canciones de libertad
Porque es todo lo que tengo, canciones redentoras
Todo lo que tengo, canciones redentoras
Estas canciones de libertad, canciones de libertad

Letra Subida por: panzas (Colaborador Oficial Songstraducidas.Com)





Edward Louis Severson III (23 de diciembre de 1964), más conocido como Eddie Vedder es el vocalista principal, compositor y líder del grupo de Grunge estadounidense Pearl Jam. Desde 1990, también ha tocado la guitarra en algunas de las canciones de Pearl Jam. También toca otros diversos instrumentos, incluyendo el ukelele, la batería y la armónica.
También ha aportado en proyectos ajenos de Pearl Jam, como trabajar en bandas sonoras de peliculas, y también ha hecho contribuciones en álbumes de otros artistas. El 2007, Vedder lanzó su primer álbum en solitario como una banda sonora para la película Into the Wild (2007). Vedder fue considerado el vigésimo tercer mejor vocalista de Heavy Metal en su lista de los 100 mejores vocalistas de Heavy Metal de todos los tiempos de la revista Hit Parader.
Antes de formar parte de Pearl Jam, Vedder fue vocalista de fondo de Temple Of The Dog en el álbum homónimo tributo a Andrew Wood, vocalista de Mother Love Bone, fallecido por sobredosis en marzo de 1990. En la banda participaron varios de los músicos que más tarde formarían Pearl Jam con su formación actual, y contaba con la participación de Chris Cornell como cantante principal pues este era amigo íntimo y compañero de piso de Wood y Matt Cameron, en ese entonces, miembros de Soundgarden. La muerte de Wood motivó a Stone Gossard y a Jeff Ament a crear su siguiente agrupación, que terminó siendo Pearl Jam.
Vedder ha utilizado el pseudónimo "Jerome Turner" en algunos álbumes de Pearl Jam al darse reconocimiento en el desempeño de funciones que no se relacionan directamente con la música (tales como diseño y dibujos). Algunas veces también ha utilizado el sobrenombre "Wes. C. Addle" (por "West Seattle" o sea Seattle del oeste).
Vedder no tuvo una infancia fácil. Creció en Evanston, cerca de Chicago, Illinois y sus padres se divorciaron en 1965 cuando Eddie apenas contaba con un año de vida; su madre volvió a casarse con un hombre llamado Peter Mueller que maltrataba a su madre delante de él; más tarde una canción hablaría de ese asunto (BetterMan). Trascurrieron muchos años antes de que Vedder supiera que Mueller no era realmente su padre. A mediados de la década de 1970, Vedder y su familia se trasladaron al Condado de San Diego, California. Cuando Eddie cumplió doce años, su madre le regaló su primera guitarra, fuente de consuelo durante este período de su vida, en particular, encontró consuelo en el álbum de The Who , Quadrophenia . Él dijo: "Cuando yo tenía unos 15 o 16 ... Me sentí solo ... Yo estaba solo, excepto por la música." Su madre y Mueller se divorciaron cuando Vedder estaba en su adolescencia. A los quince años Vedder ya se había independizado y había cambiado su apellido a Vedder, su apellido materno. Cuando su madre se divorció por segunda ocasión, Eddie llegó a saber quién era realmente su padre aunque éste ya había muerto; le había conocido en vida pero nadie le había dicho a Eddie quién era realmente. Después de trabajar por algún tiempo en una farmacia en Encinitas, se retiró de su escuela y renunció a su trabajo y regresó a Chicago, ciudad en la cual su madre y sus hermanos ya estaban instalados.

http://es.wikipedia.org/wiki/Eddie_Vedder
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http://es.wikipedia.org/wiki/Ataque_77

La banda se formó en 1987 como un grupo de amigos que se reunían para tocar sus canciones favoritas, la mayoría de ellas de "The Ramones", la banda que más ha influenciado en su estilo, a pesar de que muchos de los títulos de canciones de Attaque son alusiones a canciones de grupos heavy metal como Iron Maiden (Donde las águilas se atreven, El cielo puede esperar). Se lanzaron al escenario con el mismo estilo punk rock, letras con contenidos "proletarios" (obreros de fábricas, trabajadores sacrificados, etc.) y cazadoras vaqueras por las que fueron muy pero muy reconocidos.
Attaque 77 surge en 1987 tras la disolución de la banda "Cabeza de Navaja", excepto Federico que no tenía experiencia musical previa y fue convocado como cantante. La banda estaba entonces formada por los hermanos Federico y Ciro Pertusi, en voz y bajo respectivamente, Mariano Martínez y Daniel "Danio" Caffieri (tío de Mariano) en guitarras y Claudio Leiva en batería.
El 21 de octubre de 1987 debutó oficialmente en la discoteca Cemento, teloneando al grupo "Descontrol", un grupo que, como homenaje al movimiento punk inglés de fines de los 70, había elegido el nombre de Attaque 77.
El 1 de febrero de 1988, en uno de sus ensayos, grabaron de forma casera y muy precaria un casete para mostrar en las compañías discográficas que se llamó Yo te amo. Dicho casete contiene temas que luego fueron grabados en discos oficiales de Attaque como: "Ya sé", "Ella estaba muerta" (luego grabado como "Muerta"), "Qué alegría" (que luego fue "Tiempo para estar") y "Muy sucio para vos", entre otros; un tema que luego se grabó con diferente letra, originalmente "Nunca más" y se convirtió en "Lo que quieras"; y temas que aún permanecen inéditos en la descografía de Attaque como: "Mi desesperación", "Delincuente" y "El recuerdo" (estos últimos fueron grabados muchos años más tarde por Federico Pertusi con su banda "De Romanticistas Shaolin's" en el disco "Efecto Namores"). La canción que le da nombre al casete, "Yo te amo", se convirtió rápidamente en un clásico para sus seguidores y hoy en día es uno de los que más piden en sus conciertos.
Su primer aparición discográfica fue en el recopilatorio "Invasión 88", donde varios grupos punks argentinos aportaron temas, entre ellos Attaque 77, Flema y Defensa y Justicia (grupo en el que cantaba Ciro y en el que era guitarrista Mariano). Para ese recopilatorio Attaque participó con "Sola en la Cancha" (cantado por Ciro) y "BAD" (Brigada Anti Disturbios) producidos artísticamente por Juanchi Baleirón (Los Pericos). En posteriores reediciones de ese disco, ya en formato CD, se incluyeron también "No te quiero más" y "Nunca más", producto de las mismas sesiones de grabación.

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La primera canción esta escrita
cuando nuestro Comandante en Jefe leyo la carta de despedida del Che

Aprendimos a quererte
desde la histórica altura
donde el sol de tu bravura
le puso cerco a la muerte
Estribillo:

Aquí se queda la clara
la entrañable transparencia
de tu querida presencia
comandante Che Guevara

Tu mano gloriosa y fuerte
sobre la historia dispara
cuando todo Santa Clara
se despierta para verte
Estribillo: ...
Vienes quemando la brisa
con soles de primavera
para plantar la bandera
con la luz de tu sonrisa
Estribillo: ...
Tu amor revolucionario
Te conduce a nueva empresa
Donde espera la firmeza
De tu brazo libertario
Estribillo: ...
Seguiremos adelante
Como junto a tí seguimos,
Y con Fidel te decimos:
¡hasta siempre comandante!
Estribillo: ...

Che: " Esa hora irá creciendo cada día que pase, esa hora ya no prará más".

Nació en Manzanillo, Cuba, el 11 de septiembre de 1917 en el seno de una familia humilde. Se vio obligado a ejercer durante su niñez y juventud múltiples oficios: carpintero, mecánico, obrero azucarero y zapatero. Su temperamento le empujaba al mundo de la música. Cuando iba a la escuela no abandonaba su armónica, que hacia sonar por el camino. La clases de guitarra que recibía su hermana eran seguidas por él a escondidas y repetidas luego; ese carácter autodidacta le impulsó a aprender. Utilizando métodos de enseñanza a distancia como el para aprender a tocar la guitarra sin maestro y consultando a Pedro Estacio (director de la Banda Municipal de Conciertos de Manzanillo) y Juan García (maestro de piano) dio los primeros pasos de aprendizaje musical.

En los 30 del siglo XX sus canciones ya se emitían en la radio local de Manzanillo, la CMKM.

En este tiempo los temas de su música son de corte romántico, canciones que fueron grandes éxitos y que han pasado a formar parte del patrimonio de la música cubana. Algunas de ellas son: Quiero hablar contigo, Qué sé yo, Te vieron con él, Cuenta conmigo, Quién se lo iba a imaginar, Hay que decir adiós y Dejemos de fingir.

Poco después comenzaría a grabar sus discos; en estas piezas ya se empiezan a tratar temas sociales y reivindicativos. Canciones como: Plan de machete, Este es mi pueblo y Pobre de mi Cuba denunciaban la situación que se vivía en Cuba por aquella época sin temer a la represión.
[editar] Justo antes de la revolución

En los años 50 se acompaña por el grupo Los Tradicionales (Santiago Martínez, Pedro Sosa y Rafael Lorenzo) su presencia en la radio y en la televisión nacionales se hace habitual. Aunque su escenario más querido en aquellos tiempos era el restaurante habanero de La bodeguita del medio donde interpretaba su obra sin cobrar ningún salario pero reconfortado en el buen ambiente allí existente. Tal como él mismo dice:
(...) pasaba los ratos cantando con la barriga llena y el corazón contento.

Este lugar le sirvió para conocer a otros muchos artistas e importantes personalidades.
[editar] Y en eso llegó Fidel

El 1º de enero de 1959 el triunfo de la revolución, iconizada con la entrada de Fidel en La Habana, influiría en la vida de Carlos Puebla tanto como en la de Cuba. Carlos se convierte en cronista. La guaracha Y en eso llegó Fidel es, tal como dice el título, un cambio en su creación, en su obra. Pasa a realizar canciones que tiene como destino el difundir los valores revolucionarios y las decisiones del gobierno de los barbudos.

Canciones como La Reforma Agraria, Duro con él, Ya ganamos la pelea, Son de la alfabetización van haciendo de Carlos Puebla el embajador de la obra revolucionaria. En su canción De Cuba traigo un cantar muestra bien claro este papel de embajador que adopta.
De Cuba traigo un cantar
hecho de palma y de sol
cantar de la vida nueva
y del trabajo creador
para el ensueño mejor
cantar para la esperanza
para la luz y el amor...

En 1961 realiza lo que sería la primera gira por varios países que culmina con un gran éxito. Esto daría pie a muchas más giras, que extenderían su prestigio y fama desde el ámbito cubano a más de 35 países. En todas estas actuaciones está acompañado de los Tradicionales. En aquella época se le empezó a llamar Juglar de la Era Moderna.

El éxito no fue motivo para olvidar sus orígenes. Volvía siempre que podía a su ciudad natal y no dejaba de participar en la celebración de las Semanas de la Cultura y las Jornadas de Homenaje a su amigo, el poeta Manuel Navarro Luna. En Manzanillo no dejaba de pasear por toda la ciudad y de actuar allí donde se lo pidieran. Su sitio preferido, como no podía ser de otra manera era La casa de la Trova, que hoy lleva su nombre, donde pasaba horas con sus amigos cantando y compartiendo su bebida predilecta, el Ron Pinilla.

La partida de Ernesto Guevara, a seguir la lucha revolucionaria en otras tierras, impactó a Carlos Puebla de tal forma que la misma noche en que Fidel Castro dio a conocer la carta de despedida del argentino, Carlos, sin poder dormir, compusó su obra más conocida, Hasta siempre que se convertiría en un himno homenaje al heroico guerrillero que transcendería a todos los estilos de música y a casi todas las lenguas.
[editar] Su muerte

Una larga enfermedad terminó con su vida un 12 de julio de 1989. Para entonces su obra musical era inmensa. Había escrito más de setenta temas donde, con su característico sentido del humor, relata los temas más comunes y transcendentes.

La enfermedad no pudo minar su sentido jovial. Su muerte se produjo en La Habana, y su tumba se encuentra en el cementerio de su ciudad de origen, Manzanillo, y en ella se puede leer:
yo soy esto que soy
un simple trovador que canta
[editar] Discografía

* 1997: Cantarte Comandante.
* 1997: La novia del feeling.
* 1997: Toda una vida.
* 1998: Hasta siempre.
* 1999: Dos voces de América en un canto a Cuba.
* 1999: Soy del pueblo.
* 2001: Mis cincuenta preferidas. Vol. III.
* 2004: El gran tesoro de la música cubana. Vol. IV
* 2004: Rebeldes.

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BOIKOT


El grupo comenzó a funcionar en 1987, tocando en fiestas locales y bares. Después de cambios en la formación del grupo graba dos discos con el sello Barrabás.

El conjunto adquiere reconocimiento actuando en Madrid, hasta que en el año 1995 rompe con el sello Barrabás y decide lanzarse a la autogestión creando su propio sello discográfico independiente Producciones BKT. Hasta 1996 edita dos discos más, Cría cuervos y Tu Condena, y toca en diversos festivales de rock como Festimad.

Después, sus componentes ponen en marchar el proyecto de lanzar una trilogía discográfica llamada La Ruta del Ché entre 1997 y 1999 donde incluyen diferentes versiones como la de "Hasta siempre" de Carlos Puebla y grabadas mientras están en gira por algunos países como Cuba, México, o Argentina. En esta etapa de La Ruta del Ché toman influencias de la música latinoamericana incluyendo en sus grabaciones instrumentos y ritmos latinos.[1]

Concluida La Ruta del Ché, sacan un disco en directo titulado Historias Directas de Boikot, que en la edición original incluye un libro con la biografía del grupo y un vídeo grabado durante la ruta.[2] Después editan dos discos más, De espaldas al mundo.[3] y Tus problemas crecen. Durante 2007, al igual que en años anteriores, visitan diferentes festivales en Colombia, Alemania e Italia y destaca su participación en el Barisarock, un festival organizado bajo el lema "por la paz, el rock y la convivencia entre culturas" celebrado en el mes de agosto en Estambul, Turquía. Durante ese año también participaron en la extensa gira Ni un paso atrás, que la que actuan en varias ciudada españolas junto a los grupos Reincidentes, Porretas y Sonora.[4]

A finales de 2007 los componentes de Boikot viajaron a Mostar, Bosnia para grabar en el Pavarotti Music Centre su undécimo disco, titulado Amaneció y donde participan diferentes músicos de folk balcánico, que se publica el 2 de abril de 2008 editado por la plataforma Realidad Musical. Poco antes, en febrero, Boikot emprende su primera gira en Japón, con un total de cinco conciertos.[5] En diciembre del mismo año se publicó el disco en directo de la gira Ni un paso atrás, donde se incluyen cuatro canciones de Boikot. Durante 2009, el cuarteto prosigue su actividad en directo actuando en numerosas localidades españoles y también en otros escenarios internacionales. En julio, los madrileños regresan a Japón, donde logran publicar su disco Amaneció y participan en el festival Fuji Rock,[6] donde en su edición de 2009 también actuaron grupos como Oasis, Weezer o Franz Ferdinand, entre muchos otros.
[editar] Influencias

Entre sus influencias se encuentra todo aquello que de jóvenes han ido plasmando en cada disco, gustos por Ramones, The Clash, Leño, La Polla Records, Kortatu, Negu Gorriak, Pearl Jam, Nirvana, Banda Bassotti, Bad Religion, NOFX, Goran Bregović y Emir Kusturica.
[editar] Miembros

* Alberto Pla: Voz y guitarra
* "Kosta" Vázquez: Voz y guitarra
* Juan C. "Grass" Zapata: Batería
* Juankar: Voz y bajo

[editar] Discografía

* Los ojos de la calle, 1990
* ...Con perdón de los payasos, 1992
* Cría cuervos, 1995
* Tu condena, 1996
* Ruta del Ché - No mirar, 1997
* Ruta del Ché - No escuchar, 1998
* Ruta del Ché - No callar, 1999
* Historias directas de Boikot, 2000
* De espaldas al mundo, 2002
* Tus problemas crecen, 2004
* Amaneció, 2008
* Ni un paso atrás (en directo) con Reincidentes, Porretas y Sonora, 2008